Segantini Archivi

PAESAGGI. Realtà Impressione Simbolo
Da Migliara a Pellizza da Volpedo
Castello di Novara
A cura di Elisabetta Chiodini
Sino al 6 aprile 2025

La luce, la luce ovunque. I paesaggi in mostra a Novara sono paesaggi di pianura, di città, di lago, di montagna. Ma essi non sono fatti soltanto di pietra, di acque, di aria tersa o di nebbia. Sono fatti di luce. Perché è questo che la pittura, la grande pittura, da sempre disegna, da sempre trasmette: la luce. E questo dentro e al di là della differenza di stile e di epoca tra i vari pittori.
A emergere è la luce potente e malinconica della Laguna di Venezia, un giallo e un rosso che si stagliano sulla tela come una scultura; la luce quasi inquietante nella sera di altre acque, quelle del Lago di Varese, luce che sembra emergere non dall’aria, non dall’alto ma dal basso, dalle acque stesse; la luce dei campi in estate, che appare più forte delle nuvole, come se esse non ci fossero o la luce non tenesse conto della loro presenza (immagine di apertura: Nei campi, di Giorgio Belloni, 1899); la luce fatta del grigio su grigio che il fumo di una locomotiva dipinge sul pomeriggio oscuro, su montagne accennate nello sfondo, sul prato dal treno attraversato; la luce dell’officina di un maniscalco ad Ancona, che pur confinata in un angolo del quadro è capace di trasmettere le proprie scintille ai ponti, alle acque, all’Arco di Traiano; la luce che avvolge di se stessa Milano e il Naviglio che la bagnava a San Marco. Un quadro, quest’ultimo di Segantini, nel quale la nettezza dei contorni, la rigorosa plausibilità di ogni particolare, la pulizia del mondo e la gioia di attraversarlo restituiscono sorriso al tempo, a ogni tempo.
Questa è la gioia che per millenni e da millenni l’arte figurativa ha trasmesso ai suoi fruitori, ai suoi autori. E che il Novecento ha forse con troppa leggerezza in gran parte ripudiato.
Perché il mondo non è «scritto in lingua matematica», come si legge in una celebre pagina del Saggiatore di Galilei, non è scritto soltanto in quella lingua ma in una varietà di lessici, grammatiche e alfabeti, che il riduzionismo galileiano tende a ignorare.
Anche Platone nutriva un sogno matematico di freddezza e perfezione ma Platone saggiava questo sogno al fuoco della luce metafisica, della luce di un mondo reale fatto di materia che esiste e di materia che la mente trasfigura, senza mai confondere la sostanza ontologica del reale con la sua conoscenza epistemologica. La fatale confusione tra il linguaggio matematico e la sostanza della materia è dei moderni, compresi i moderni che hanno trasformato in sola e pura proporzione aritmetica il fare artistico.
Nei dipinti esposti al Castello di Novara la proporzione della figure e degli spazi è del tutto evidente e possiede, ovviamente, un fondamento matematico-geometrico, ma esso è funzionale alla realtà autonoma della luce, che l’artista cerca di cogliere come meglio può e di restituire sulla tela.
Luce intrisa di vento, della trasparenza degli elementi, di colori netti e potenti, di vibrazioni interiori, di forme oggettive.

Canella, Laguna di Venezia presa dal Campo di Marte (1838)

Befani (Formis), Ritorno da una refezione sul Lago di Varese (1873)

Segantini, Naviglio a Ponte San Marco (1880)

Mostre

Mimesis

14 Gennaio 2015

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Segantini
Palazzo Reale – Milano
Sino al 18 gennaio 2015

Mimesis. Il realismo nella letteratura occidentale è il titolo del grande libro che Erich Auerbach dedicò a questo tema. E tuttavia il sottotitolo della prima edizione era Eine Geschichte des abendländischen Realismus, als Ausdruck der Wandlungen der Selbstanschauung der Menschen, vale a dire una storia del realismo occidentale come espressione delle trasformazioni dell’autorappresentazione umana. Neppure per Auerbach, insomma, il realismo è separabile dal modo in cui la mente individuale e collettiva percepisce di volta in volta il mondo.
Su questo punto non possiamo più permetterci di essere ingenui. La realtà assoluta non esiste, semplicemente. È probabilmente anche a causa di questa consapevolezza che il mio sguardo è sempre critico nei confronti di tutto ciò che intende rappresentare la ‘realtà’. Nella sua opera Giovanni Segantini sembra stare stretto dentro il reale, sembra ogni volta voler uscire da un figurativismo che tuttavia lo attraversa e rinchiude dall’inizio alla fine. I suoi quadri, per quanto un po’ uniformi nei temi e nell’ambiente, rappresentano anche una sorta di riepilogo dell’arte europea dal Rinascimento (Mantegna) al Divisionismo, passando per il Naturalismo. Nelle nature morte, nei crepuscoli, nelle madri, nelle mandrie, nelle montagne dell’Engadina, diagonali di luce separano la tela in una molteplicità di spazi o sembrano vibrare dai corpi animali e umani.
L’ispirazione è panica, sacra, panteistica. «Ciascuno di noi è parte di Dio, come ciascun atomo è parte dell’universo», scrisse. E aggiunse che «tutto si deve fondere in un solo pezzo, in una commozione profonda di Vita vera vita palpitante». Intenzioni del tutto condivisibili ma che già alla fine dell’Ottocento non potevano più essere realizzate rimanendo ancorati alla figura. Il simbolismo di Segantini è -insieme a quello di altri artisti a lui contemporanei, compreso lo stesso Klimt– forse l’ultima possibile espressione di una imitazione del reale che aveva ormai perduto ogni referente. Da questo tramonto sarebbe nata la grande arte del Novecento, quella che ormai non vuole descrivere un modello che non esiste ma fa della forma stessa il proprio oggetto.
La mostra di Palazzo Reale permette di attraversare per intero questo itinerario dentro l’impossibilità della mimesis. Tra le tante opere esposte, mi ha particolarmente attratto un dipinto di Segantini poco più che ventenne –Il naviglio a ponte San Marco (1880)- e non soltanto perché descrive un luogo milanese. Soprattutto perché qui l’imitazione va dissolvendosi: umani, palloncini, architetture, acque sono la pura luce del corpomente, il suo desiderio di una gioia che nessuna realtà può dare.

Paesaggi / Luce

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